.

Искусство Древнего Рима, Византии, Италии

Язык: русский
Формат: курсова
Тип документа: Word Doc
0 972
Скачать документ

24

ИСКУССТВО ДРЕВНЕГО РИМА, ВИЗАНТИИ, ИТАЛИИ

Курсовая работа

Содержание

Введение

1. Искусство Древнего Рима.

2. Искусство Византии.

3. Итальянское искусство эпохи Возрождения.

4. Итальянское искусство периода XVII-XVIII вв.

5. Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.

Заключение

Список использованной литературы

Введение

Первые зачатки искусства на территории современной Италии восходят к
концу палеолита. За тысячелетия до нашей эры люди, жившие охотой и
сбором диких плодов, были уже знакомы с выразительной силой наскального
рисунка. Но все же, говорить об искусстве как о социальном феномене в
его широком смысле и современном понимании, можно лишь применительно к
обществу, организованному в государственную форму. Таким государством на
средиземноморье был Древний Рим.

Будучи законодателем традиций во многих областях жизни (начиная с
древнеримского права первой в истории республики), Рим стал центром и
источником традиций в архитектуре, живописи, скульптуре.

Дальнейшая эволюция государственности и общественных отношений
обусловили соответствующее развитие отраслей искусства: вначале
византийского, затем – итальянского. Целая эпоха, названная эпохой
Возрождения, связана с достижениями средневековых мастеров, творивших
на территории нынешней Италии.

Современная Италия – часть экономически развитой Европы. И ее культура –
часть европейской культуры. Сегодня лидерство итальянского искусства в
основном утрачено. Но его традиции сохраняются в творчестве многих
архитекторов, скульпторов и живописцев не только Запада, но и Востока.
Российская культура (начиная с православной культуры) ведет свою
«родословную» от культуры Византии. Отсюда важность исследования истоков
и характера эволюции итальянского искусства для россиян.

Целью данного реферата является проведение ретроспективного
(исторического) анализа процесса развития итальянского искусства от
момента его зарождения до наших дней.

1. Искусство Древнего Рима.

Хронологические рамки искусства Древнего Рима охватывают почти
тысячелетие – от его зарождения в конце 6 в. до н.э. до конца 5 в. н.э.
Начало древнеримского искусства относится к периоду республики (конец 5
– конец 1 в. до н.э.). Оно достигло расцвета в период образования
мировой рабовладельческой державы (конец 1 в. до н.э. – 5 в. н.э.),
разнородной по этническому и социальному составу, сложной по
хозяйственной и общественной организации История зарубежного искусства /
Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Изобр. искусство», 1983.
– С.63..

Искусство времен Римской империи представляет собой последнюю ступень
греческого искусства, на которой его упадок и искаженность открыли,
однако, путь к новому художественному творчеству Карл Верман. История
искусства всех времен и народов. – М.: АСТ, 2001. – С.604..

Исторические особенности развития определили важнейшее отличие искусства
римского от греческого. В римском искусстве периода расцвета ведущую
роль играет архитектура, в которой основное место принадлежит
сооружениям общественным, воплощающим идеи могущества государства и
рассчитанным на огромные количества людей.

Древние здания Рима и теперь даже в развалинах покоряют уверенной мощью.
Римляне положили начало новой эпохе мирового зодчества. Во всем древнем
мире римская архитектура не имеет себе равной по высоте инженерного
искусства, многообразию типов сооружений, богатству композиционных форм,
масштабу строительства.

Потребности римского общества породили много новых типов сооружений:
амфитеатры, термы, триумфальные арки, колонны, акведуки. Дворцы,
особняки, виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники получили на
римской почве новое архитектурное решение. Среди сохранившихся
памятников монументального зодчества периода республики наиболее
известны три круглых храма богини Весты, построенные во 2-1 вв. до н.э.
История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний
Восток, Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.:
«Изобр. искусство», 1979. – С.161.

Архитектурное искусство Древнего Рима достигает вершины в первые два
века нашей эры. Порождением всего склада императорского государства
были триумфальные сооружения, прославляющие военные победы Римского
государства. Самое гигантское зрелищное сооружение — амфитеатр
Флавиев-Колизей (75—82 гг. н. э.).

В 4 в. после признания в 313 г. христианства господствующей религией
начинается строительство христианских храмов, формы которых в основном
заимствовались из античных базилик.

Главное место в скульптуре занимает портрет, имеющий глубоко
познавательный смысл. В нем проявляется интерес к проблеме личности и ее
судьбе, представление о конкретно-историческом характере человека.

В области монументальной скульптуры римляне не создали памятников, столь
значительных, как греки. Но они обогатили пластику раскрытием новых
сторон жизни, разработали бытовой и исторический рельеф с характерным
для него конкретно-повествовательным началом. Рельеф являлся
неотъемлемой частью архитектурного декора.

Древнейшее произведение скульптуры первых десятилетий республики —
бронзовая Капитолийская волчица — символ Рима (6 в. до н. э., Рим,
Палаццо Консерватори), отличающаяся остротой реализма и
экспрессивностью. Однако, лучшее из художественного наследия римской
скульптуры — портрет. В портретном жанре наиболее ярко проявлялся
самобытный реализм, острая наблюдательность, историческое чутье римлян,
их умение обобщить наблюдения в ясной и сжатой форме. Гражданственные
идеалы республиканской поры воплощены в монументальном портрете в рост
сурового «Римлянина, совершающего возлияние» (1 в. до н. э., Рим,
Ватикан), исполненного чувства долга.

В римском искусстве портрет получает широкое распространение и в
живописи. Но эволюцию римского живописного портрета нельзя проследить
подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немного. Среди
них – «Портрет молодой женщины», «Портрет молодого человека с бородкой в
золотом венке», «Портрет пожилого римлянина».

Но главным родом живописи во времена римских императоров была живопись
стенная Карл Верман. История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ,
2001. – С.627..

Таким образом, искусство времени республики известно нам по немногим
памятникам архитектуры, значительному числу скульптурных произведений,
портретов, фрагментов стенной живописи Помпей и Геркуланума История
искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний Восток,
Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.: «Изобр.
искусство», 1979. – С.162.. Искусство Римской империи завершает большой
период античной культуры. Рим «раскололся» на Западную и Восточную
части. Разрушенный, разграбленный варварами, в 4—7 вв. Рим обезлюдел,
его руины заросли травой, но традиция римского искусства продолжала жить
в средние века. Слава Древнего Рима, воплощенная в художественных
образах, вдохновляла мастеров Возрождения. К героическому и суровому
искусству Рима обращались крупнейшие мастера 17—19 вв.

2. Искусство Византии.

Эпоха средневековья для историка культуры и искусства охватывает период
от падения Римской империи до начала эпохи Возрождения История искусства
зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под ред. У.Г.
Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – С.11.. Одним из
важнейших центров средневекового искусства была Византия — государство,
образовавшееся в 395 г. на основе Восточной Римской империи и
просуществовавшее до 1453 г.

В центре внимания византийского художника, как и в античности, стоял
человек, воплощенный в образе христианского бога и святых; в его
изображении сохранялись правильные пропорции фигуры, тонкая пластика
форм, точный рисунок. Но византийский художник подвергал их коренной
переработке в соответствии с новыми представлениями о мире и человеке.

Главной задачей византийского искусства было воплощение божественного
начала История искусства зарубежных стран: средние века, Возрождение /
Под ред. У.Г. Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – С.11..
А его содержание отражало религиозно-философские воззрения слагающегося
средневекового общества. Первый подъем византийского искусства
приходится на 6 век. Оно достигает блестящего расцвета при Юстиниане I
(527—565), когда закладываются основы византийской государственности.

В различных областях империи развивалось крупное монументальное
строительство. Ведущую роль приобрела архитектура монастырских ансамблей
и храмов, отличавшихся разнообразием строительных типов. Трехнефная
базилика Сант Аполлинаре Нуово в Равенне (начало 6 в.) дает
представление о типе продольного ранневизантийского храма, в котором нет
еще резкого размежевания мирян и клира. Наиболее совершенный тип
центрического храма — церковь Сан Витале в Равенне (526—547 г.).
Восьмигранная в основании, она покрыта куполом (диаметр 15 м),
покоящимся на восьми столбах, и окружена обходной галереей, принимающей
распор. Цветной мрамор и богатые по колориту сюжетные мозаики покрывают
стены и своды церкви.

Потребность в здании, вмещающем массы людей, породила в 5—6 вв. новый
тип храма — купольной базилики, наиболее приспособленной к сложному
ритуалу богослужения. Культ объединил все виды искусств — архитектуру,
живопись (мозаики, росписи, иконы), прикладное искусство (драгоценную
утварь, богатое облачение. священников, зрелищность церковного
церемониала, многоголосые хоры) — в единый грандиозный художественный
ансамбль.

Гениальное воплощение новый стиль сооружения получил в храме св. Софии в
Константинополе (532—537). В его замысле торжествует идея зависимости
церкви от императорской власти и вместе с тем могущества христианства.

С усилением роли церковного интерьера формируются новые принципы синтеза
искусств. Развивая традиции позднеантичной живописи, византийцы впервые
объединили духовное содержание с декоративным началом. Была разработана
иконография Священного писания — сюжеты, композиции, типы фигур, лиц,
атрибуты святых, которые легко воспринимались и запоминались зрителем.
Постепенно иконографические типы и композиции превратились в
утвержденные церковью каноны.

Излюбленной техникой стенной живописи Византии стала мозаика. Византийцы
впервые воспроизводят форму цветом. Они владеют всем богатством
красочного спектра, оттенками различной светосилы и густоты. Редкий
образец византийской светской живописи — две большие мозаики на боковых
стенах церкви Сан Витале в Равенне (547 г.). Традиция античности
проступает в образах четырех ангелов из церкви Успения в Никее.

В византийской церковной архитектуре с 9 в. утверждается новый тип
крестово-купольного храма, воплощенного впервые в базилике Василия
Македонянина в Константинополе История зарубежного искусства / Под ред.
М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – С.82.

. Типичными памятниками крестово-купольного храма являются церкви
Католикон в монастыре Хосиос Лукас в Фокиде и св. Феодора в Афинах.
Рациональность конструктивной системы, способствовала распространению
этого типа храма за пределами Византии.

В 9 в. складывается законченная каноническая система церковной росписи.
В живопись проникает идея иерархии. Пантократор уподобляется самодержцу,
святые — придворным и т. д.

Во второй половине 11—12 вв. утверждается торжественный византийский
стиль. Самым классическим произведением византийской живописи этого
периода являются мозаики монастыря Дафни (близ Афин).

Шедевр византийской живописи первой половины 12 в.— икона столичной
школы Владимирская богоматерь, иконографического типа «Умиление»
(младенец прижимается щекой к щеке матери).

Последний расцвет византийское искусство переживает в 13—14 вв. Наиболее
ярко новые тенденции проявились в живописи, в мозаиках и фресках
Кахрие-Джами в Константинополе. Повествовательный стиль циклов,
посвященных жизни Христа и богоматери, продолжает традицию столичной
школы живописи, но богословская догматика уступает место драматическому
переживанию евангельской легенды.

Тысячелетнее существование Византии сыграло большую роль в истории
мировой культуры. Здесь были созданы типы монументальных церковных
зданий с декоративными циклами, распространившимися в средневековом
искусстве Европы, южных славян, Древней Руси, Закавказья. Историческая
миссия Византии заключалась и в том, что она своеобразно развила и
передала последующим векам античную традицию, обогатив ее новыми
открытиями. К византийскому искусству обращались итальянские, русские,
болгарские, сербские, грузинские, армянские зодчие и живописцы.

3. Итальянское искусство эпохи Возрождения.

В историю художественной культуры Возрождения Италия внесла вклад
исключительной важности Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.:
«Искусство», 1974. – С.5..

Подъем новой культуры в Италии относится к 12 – 13 вв. Это, так
называемый, период раннего Возрождения.

Масштабы величайшего расцвета итальянского ренессанса особенно
поразительны по контрасту с небольшими территориальными размерами тех
городов-государств, где зародилась и пережила свой высокий подъем
культура этого времени Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.:
«Искусство», 1974. – С.5..

Во Флоренции написал свою «Божественную комедию» Данте, здесь
сформировалось могучее дapoвание родоначальника реалистического
искусства Возрождения Джотто ди Бондоне (1266—1337). Архитектор,
скульптор, поэт, самый значительный вклад он сделал в развитие живописи.

Родоначальником ренессансной архитектуры бил Филиппе Брунеллески
(1377—1446), уроженец Флоренции. Впервые в западноевропейском зодчестве
Брунеллески дал ярко выраженный пластический объем купола,
«вздымающегося к небесам» и осеняющего, по выражению архитектора
Альберти, «все тосканские народы». В этом сооружении, воздвигнутом во
славу города, нашло воплощение торжество разума, идея, определяющая
основное направление культуры Возрождения.

Следующим этапом в развитии ренессансной архитектуры было творчество
Леона Баттиста Альберти (1404—1472), энциклопедиста-теоретика, автора
ряда научных трактатов об искусстве («Десять книг о зодчестве»).

Развитие типа раннеренессансного дворца в 15 в. завершает палаццо
Строцци во Флоренции (начат в 1489 г.), Бенедетто да Майано (1442—1497).

Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от
архитектуры скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное
значение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли
на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от
сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к
жизни, к реальным образам действительности, человеку. Наряду с
сохраняющими свое значение образами христианской мифологии и античности
объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои
современности. Развитие получает жанр портрета. Создаются конные статуи,
украшающие площади городов.

В ювелирной мастерской изучил основы ремесла один из выдающихся
скульпторов 15 в. — Лоренцо Гиберти (1381—1455). Блестящий мастер и
тонкий рисовальщик, Гиберти занял первое место на конкурсе 1401 г. на
двери баптистерия, которые стали одной из достопримечательностей
Флоренции. «Врата рая»— назвал их Микеланджело.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло (1386—1466).
Его рукам принадлежит мраморная статуя Георгия. Закованный в доспехи,
стройный, с одухотворенным лицом, настороженным взглядом, он воплощает
идеал героической личности, созвучной эпохе, исполнен самосознания,
спокоен и бесстрашен. Торжество идеалов ренессансной скульптуры и
утверждение статуарного начала знаменует первая обнаженная статуя в
итальянской пластике Возрождения,— Давид (1430).

Ту же эволюцию, что и скульптура, проходит живопись раннего Возрождения.
Художники 15 в. вступают на путь реализма. Невиданный расцвет переживает
монументальная фресковая живопись.

Реформатором в живописи стал флорентинец Мазаччо (1401—1428). С
наибольшей наглядностью его искания проявились в фресках капеллы
Бранкаччи при церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции «Чудо со
статиром» и «Изгнание из рая».

Значительный интерес к проблемам колорита отличал творчество Доменико
Венециано (1410—1461), уроженца Венеции. Его религиозные композиции
(«Поклонение волхвов»), несут отпечаток готической традиции.

Необычайной тонкости исполнения, очень сдержанных по колориту, светских
по характеру произведений добивается Фра Филиппе Липпи (1406—1469),
сменивший монашескую рясу на беспокойную профессию бродячего художника.
В нежных лиричных образах —«Мадонна с младенцем», «Мадонна под вуалью»
он запечатлел трогательно-женственный облик своей возлюбленной,
любующейся пухлым младенцем.

Предпосылки для следующего этапа развития искусства Возрождения раньше
всего складываются во Флоренции. Здесь созревает своеобразная по
утонченности культура. Возрастающий интерес к деталям обстановки придает
живописным композициям черты жанровости. Суровая героика сменяется
интимным повествованием. Фигуры людей приобретают большую стройность
пропорции, становятся хрупкими и гибкими.

В живописи этого времени выделяется творчество Доменико Гирландайо
(1449—1494). Традиционность его искусства выявляется в росписи церкви
Оньиссанти «Тайная вечеря». Главное произведение Гирландайо — фрески
церкви Санта Мария Новелла на сюжеты из жизни

Черты утонченности и аристократической изысканности находят наиболее
яркое воплощение в творчестве Сандро Боттичелли (1445—1510), одного из
самых эмоциональных мастеров Возрождения. Его наиболее прославленные
зрелые картины — «Весна», «Рождение Венеры».

Одним из характерных выразителей флорентийской культуры последней трети
15 в. был скульптор и живописец Андреа Верроккьо (1435—1488). Его
бронзовая статуя «Давид» олицетворяет изящество и утонченную грацию
хрупкого юноши, облаченного в нарядные воинские доспехи.

Главным представителем ренессансной живописи Северной Италии был Андреа
Мантенья. Он был не только живописцем и рисовальщиком, но ученым,
теоретиком, археологом, одним из лучших знатоков античности.

В росписях Мантенья дал новые иллюзорные приемы построения пространства,
неожиданные ракурсы и аспекты изображения. Монументальные фрески
Мантеньи украшают капеллу Оветари при церкви Эремитани в Падуе
(1449—1455) в «Шествии св. Иакова па казнь».

Талантливым художником был Джованни Беллини (1430—1516). Его алтарный
образ «Мадонна со святыми» привлекает уравновешенной композицией,
колористическим богатством, величественностью и ясной просветленностью
характеров героев, погруженных в задумчивость.

Искусство Высокого Возрождения приходится на первые три десятилетия 16
в. Это был век глубокого драматизма и контрастов не только в области
религии, политики, философии и науки, но и в сфере искусства. На основе
пересмотра всех ценностей в это время возникают идеи, на которых
воздвигается здание культуры современной Европы Арган Дж. К. История
итальянского искусства. – М.: «Радуга», 1990. – С.7..

Именно в это время раскрываются силы народа, вступающего в борьбу за
республиканскую форму правления, растет его национальное самосознание.
Об этом свидетельствуют архитектурные постройки старого Ватикана и виллы
Бельведер, сведенные в единый монументальный комплекс по проекту
Браманте.

Главное создание Браманте — проект собора св. Петра в Риме (1506),
воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с
симметричной композицией. И хотя заложенный по этому проекту собор в
дальнейшем был перестроен другими строителями, его идеи нашли
распространение в сооружениях многих итальянских зодчих.

К середине 16 в. Высокое Возрождение сменяется в ряде областей этапом
позднего Возрождения. К этому времени относится создание таких
теоретических трудов, как «Правила пяти архитектурных ордеров» Джакомо
Виньолы н «Четыре книги по архитектуре» Андреа Палладио. В это время
рождаются черты академизма и канонизации основ римской античной
архитектуры, проявляются тенденции к декоративности и живописности, к
пространственности решений, предвосхищающих архитектуру барокко.

Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508—1580),
теоретика, исследователя и крупнейшего практика-строителя второй
поливины 16 в. Наиболее значителен вклад Палладио в развитие
архитектуры, дворцов и вилл.

Однако подлинным основоположником стиля Высокого Возрождения был
Леонардо да Винчи (1452—1519), гений, чье творчество знаменовало
грандиозный качественный сдвиг в искусстве. Леонардо воплощал собой
новый тип художника — ученого, мыслителя, поражающего широтой своих
взглядов, многогранностью таланта.

К числу ранних произведений Леонардо относится и хранящаяся в Эрмитаже
«Мадонна с цветком». Произведения зрелого стиля — «Мадонна в гроте» и
«Тайная вечеря» и многие другие шедевры.

Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма
Возрождения с наибольшей полнотой воплотил в своем творчестве Рафаэль
Санти (1483—1520). Мастер синтезировал достижения предшественников и
создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в
окружении величавой архитектуры или пейзажа.

Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают его ранние
произведения — «Мадонну Конестабиле», «Обручение Марии». Простор в
построении пейзажа, гармония форм архитектуры, уравновешенность и
цельность всех частей композиции свидетельствуют о сложении Рафаэля как
мастера Высокого Возрождения. Тема материнской любви получает более
зрелое выражение в таких произведениях, как «Мадонна в зелени», «Мадонна
со щегленком», «Прекрасная садовница».

Им написан и ряд портретов: папы Юлия II, папы Льва Х с кардиналами
Людовико де-Росси и Джулио де-Медичи и др. Величайшее творение Рафаэля —
«Сикстинская мадонна», предназначавшаяся для церкви св. Сикста в
Пьяченце.

Кульминацией Высокого Возрождения и в то же время отражением глубоких
противоречий культуры эпохи явилось творчество третьего из титанов
итальянского искусства — Микеланджело Буонарроти (1475—1564).

Страстная патетика устремленного на подвиг человека захватывает в статуе
Давида, исполненной в 1501—1504 гг. Микеланджело представил его перед
боем. Все мускулы Давида кажутся пронизанными движением. Микеланджело
вернул наготе тот этический смысл, каким она обладала в античной
пластике.

Получив заказ от папы Юлия II на сооружение его гробницы, Микеланджело
создает проект величественного мавзолея, украшенного многочисленными
статуями и рельефами, осуществляет роспись потолка Сикстинской капеллы,
которая стала одним из величайших творений итальянского искусства.

В последние годы жизни Микеланджело создает огромную фреску «Страшный
суд» (1531—1541). Она трактована как грандиозная космическая катастрофа.
Обнаженные фигуры ангелов, святых, грешников увлекает неумолимый поток
стихийного движения, которому они не могут противостоять. В центре
композиции — Христос, наделенный титанической мощью. С гневом вершит он
суд над человечеством.

Сегодня лишь немногие страны, кроме Италии, могут гордиться тем, что
обладают достоверными скульптурными произведениями великого Микеланджело
Буонароти – Франция, Англия, Бельгия. Тем важнее единственная работа
ваятеля в музеях России – так называемый «Скорчившийся мальчик»,
хранящаяся в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге Искусство и
культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. – М.: Наука, 1997. –
С.77..

Прославленные мастера эпохи Возрождения внесли неоценимый вклад в
развитие мирового искусства. О всеобщем преклонении перед их талантом
может свидетельствовать тот факт, что величайшие гении эпохи – Леонардо
да Винчи, Рафаэль, Микеланджело – получили у современников наименование
divino – божественных Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.:
«Искусство», 1974. – С.5..

4. Итальянское искусство периода XVII-XVIII вв.

В XVII в. нации, воспринявшие из Италии основы гуманизма, приобретают
духовную независимость и создают свою национальную культуру, уровень
которой настолько высок, что уже приходится говорить о новой европейской
культуре в широком объеме. И все же искусство Италии еще весомо по
своему значению, о чем свидетельствует деятельность ряда прогрессивных
художников страны История искусств: Италия, Испания, Фландрия / Под ред.
Е.И. Роттенберга. – М.: «Искусство», 1988. – С.9..

В данный исторический период наблюдается тяготение мастеров барокко к
грандиозным размерам, сложным формам, монументальной приподнятости,
пафосу — поиски средств, усиливающих действенность создаваемых образов.

Наиболее полное выражение барокко нашло в архитектуре, которая не только
решала задачи католической пропаганды; ее прогрессивные тенденции
выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитанных на массы
народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим.
Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и
особенно Микеланджело.

Свое Крайнее выражение иррациональность, экспрессивность и живописность
барокко находят в творчестве Франческо Борромини (1599—1667). Не
считаясь с логикой конструкций и возможностями материалов, он заменяет
прямые линии и плоскости изогнутыми, скругленными, извивающимися. Его
произведения – церковь Сан Карло у четырех фонтанов в Риме.

Подобно мастерам Возрождения, основоположник стиля зрелого барокко
Лоренцо Бернини (1598—1680) был разносторонне одаренным человеком.
Архитектор, скульптор, живописец, гениальный декоратор, он исполнял в
основном заказы римских пап и возглавлял официальное направление
итальянского искусства. Одно из самых характерных его сооружений —
церковь Сант Андреа аль Квиринале в Риме (1653— 1658). Крупнейшая
архитектурная работа Бернини — окончание многолетнего строительства
собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним.

Наблюдаются новые тенденции в живописи и скульптуре. Так, наряду с
барочной архитектурной пластикой Бернини создает ряд статуй и портретов.
Характер его новаторских исканий проявляется в статуе «Давид» (1623).
Бернини изображает Давида в неистовом порыве ярости, в момент схватки,
полного драматического пафоса.

Новаторство Бернини проявилось и в многочисленных портретах,
скульптурных бюстах. Созданный Бернини пышный репрезентативный портрет
Людовика XIV — французского «короля-солнце» послужил образцом для
подражания барочным скульпторам.

Художником огромной творческой смелости был Микеланджело Меризи да
Караваджо (1573—1610). К числу его ранних картин относится «Девушка с
лютней» (1595).

Как жанровая сцена решена композиция «Призвание Матфея» (1597— 1601).
Крепкими, полнокровными людьми предстают в произведениях Караваджо
святые и великомученики: простодушный грубоватый Матфей, суровые,
вдохновенные Петр и Павел. От картины к картине нарастает трагическая
сила образов Караваджо. В «Положении во гроб» (1604) на глубоком темном
фоне ярким светом выделяется тесно сплоченная группа близких Христу
людей, опускающих его тело в могилу. Они грубоваты и сдержанны в своих
чувствах, но движение каждого отмечено особой собранностью. И только
воздетые в патетическом порыве отчаяния руки Марии Магдалины оттеняют
суровую скорбь остальных персонажей, составляя контраст с давящей
тяжестью безжизненного тела Христа.

Огромной эмоциональности добивается художник в композиции «Успение
Марии» (1605—1606), захватывающей искренностью переживаний, которые
выражены в позах, жестах, лицах скорбных учеников Христа, окруживших
ложе усопшей.

Воздействие Караваджо на развитие реализма в европейском искусстве было
громадным. В самой Италии нашлось много его последователей, получивших
название караваджистов. Но еще значительнее было его влияние за рубежами
Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения
караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского
реалистического искусства.

На рубеже 16—17 вв. в связи с общими культурными изменениями и как
реакция на маньеризм складывается академическое направление в живописи.
Его принципы были заложены в одной из первых художественных школ Италии,
в так называемой Болонской академии. Основателями ее были братья
Карраччи. Наиболее талантливым из братьев был Аннибале (1560—1609),
автор большого числа алтарных образов и картин на мифологические сюжеты.
Совместно с братьями он расписал палаццо Фарнезе в Риме (1597—1604).

Таким образом, общий характер культуры и искусства Италии в 17 веке был
обусловлен всеми особенностями ее исторического развития. Именно в
Италии зарождается и получает наибольшее развитие искусство барокко,
образно-стилистические принципы которого приобретают в дальнейшем
широкое значение для эволюции всей европейской художественной культуры
История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И.
Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – С.15..

В 18 в. завершается классический период развития итальянского искусства.
Профессиональный уровень мастерства художников был все еще очень
высоким, их приглашали правители различных европейских стран. Однако
творческие искания даже самых видных мастеров были, по существу,
ограниченными, и большинство из них не выходило за рамки барочного
искусства.

По сути, в 18 веке Италия теряет ведущую роль в сфере культуры. Лишь
Папская область с Римом и Венецианская республика сохранили значительную
роль в художественной жизни Европы 18 в. Особое место в итальянском
искусстве 18 в. заняла венецианская школа живописи, выдвинувшая ряд
крупнейших художников, которые продолжили традиции высокого мастерства
декораторов барокко и отчасти Возрождения.

Блестящим декоратором, живописцем и графиком был Джованни Баттиста
Тьеполо (1696—1770), который работал не только в Италии, но и в
Германии, Испании; его произведения украшали также дворцы русских
вельмож.

В венецианском палаццо Лабиа находятся его фрески «Пир Антония и
Клеопатры» и «Встреча Антония и Клеопатры», превращающие зал в подобие
красочного театрального зрелища. Величественность и спокойная
уверенность образов прекрасных людей, героев полотен Тьеполо, сближают
их с произведениями его блестящего предшественника — Веронезе. Тьеполо
не только сумел блестяще развить принципы декоративной живописи
Возрождения, но и дал им новое .претворение. Подобно мастерам
Возрождения, оп черпал вдохновение в образах живой действительности.

В обращении к реальному миру, к неповторимо прекрасной природе Венеции и
ее нарядной архитектуре заложена основа успеха художников-пейзажистов,
среди которых выделяется высоким мастерством исполнения и тонким
колоризмом Франческе Гварди (1712—1793).

В искусстве этого времени первенство принадлежит литературе и театру,
расцвет которых начинается в середине столетия История искусства
зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.: «Изобр.
искусство», 1988. – С.137.. Он связан, в 1-ю очередь, с деятельностью
Карло Гольдони – реформатора итальянского театра, автора блистательных
реалистических комедий, Карло Гоцци, возродившего народную комедию масок
и Витторио Альфиери – поэта и драматурга, трагедии которого были
проникнуты идеями патриотизма и гражданственности.

Итальянская опера достигает высокого уровня в творчестве выдающихся
композиторов Джованни Батиста Перголези и Доменико Чимарозы История
искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И. Раздольской. – М.:
«Изобр. искусство», 1988. – С.137..

5. Итальянское искусство периода новой и новейшей истории.

В эпоху конца XIX – начала ХХ в. живопись переживает глубокий кризис, но
архитектура получает все более благоприятные условия. Общественный
характер производства, бурный рост техники, потребность населения в
жилье вызывают насущную необходимость решения проблем
градостроительства.

Зодчество, в отличие от живописи, является видом искусства, неразрывно
связанным с материальным производством, с техникой, с удовлетворением
практических запросов общества.

На смену эклектизму 19 в. приходят поиски цельного стиля, основанного на
применении новых конструкций и материалов. В 1890-1900 гг. в результате
применения новых материалов и технических изобретений сложилось
направление, получившее название «стиль модерн». Создатели стиля, с
одной стороны, стремились к рациональным конструкциям, применяя
железобетон, стекло, облицовочную керамику и т.д., с другой стороны – у
архитекторов появилась тяга к поверхностному декоративизму. Извилистые
узоры металлических переплетов, перил, балконных ограждений, изгибы
кровли, стилизованный орнамент нередко сочетались с переработанными
формами исторических стилей прошлого. Но модерн, оказав временно большое
влияние на декоративное и прикладное искусство, не создал новой
художественно-архитектурной системы.

Ведущее место в живописи 19-29 веков занимала Франция. Италия, как
европейское государство, во многом следует законодательнице мод.

Официально признанным направлением в искусстве этого времени является
салонно-академическое. На выставках вниманию публики предлагаются
академические портреты, изображения нагих красавиц, жанровые картины,
исторические сцены. Натуралистическое правдоподобие все более уступает в
академизме модернизованным формам.

Первым художественным течением ХХ в., начавшим последовательный отход от
принципов реализма, был фовизм (субъективное видение мира). Ему на смену
пришел кубизм (открыто формалистическое течение, утверждавшее, что в
основе натуры лежат простые стереометрические объемы – шар, цилиндр,
конус, куб).

Футуризм – стремление к раздроблению и искажению реального мира, к
растворению его форм и хаотической динамике ритмов. Наиболее яркое
выражение футуризм нашел в Италии в творчестве Д. Балла и К. Карра,
авторов беспокойно хаотичных композиций. Лидером футуристов в Италии был
писатель Маринетти, ставший в последствии фашистом.

Заметным явлением в итальянском искусстве стал экспрессионизм. В его
сущности лежали две тенденции. С одной стороны, в нем выразился ужас и
отчаяние народа перед трагическими противоречиями жизни. С другой
стороны – это был протест против несправедливости.

Через экспрессионизм в Италии прошли Гуттузо, Нерви Вителлоцци. К
работам Гуттузо относятся: «Девушка, поющая «Интернационал», «Битва у
моста Аммиральо», «Рокко с патефоном», «Спагетти» История зарубежного
искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой. – М.: «Искусство»,
1971. – С.338..

Распад реалистического искусства меньше всего коснулся скульптуры. В
монументальных памятниках, рассчитанных на массового зрителя,
реалистический метод сохранялся в течение ХХ века.

Ярким представителем итальянской скульптуры данного периода является
Джакомо Манцу. Его руке принадлежат скульптурные портреты и поэтичные
статуи «Голова Инге», «Мать с ребенком», «Танцовщица», «Врата смерти»
История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой.
– М.: «Искусство», 1971. – С.339..

В ХХ веке наука (З. Фрейд) провозглашает первичность подсознательных
сфер жизни. Кризисные настроения выражаются в искусстве течениями
абстракционизма и сюрреализма. Деятельность художников в этот период
привела к исчезновению образной основы.

Вторая половина ХХ века рождает течение неореализм. Основным его
содержанием является жизнь народа, простого человека, изображенного с
индивидуальными чертами внешнего облика и душевного склада.

К концу ХХ – началу ХХI столетия итальянское искусство окончательно
растворилось в общеевропейском искусстве, подчиняясь его модам и
течениям. Признанное лидерство страны сохраняется в области театра
(прежде всего – итальянская опера) и отчасти в области эстрады,
киноискусства (Фредерико Феллини и др.).

Заключение

Искусство любого государства неотделимо от его истории, политики,
экономики и других сфер, касающихся общества. Процветающая страна, как
правило, порождает гениев, и эти гении еще более способствуют
укреплению могущества своей державы.

Итальянская цивилизация – одна из древнейших на европейском континенте.
И неудивительно, что именно на Апеннинском полуострове зародилась и
прошла долгий путь совершенствования та культура, которая до сих пор
поражает высотой своей духовности, до сих пор является нераскрытой
тайной.

Наследие итальянского искусства в мире весьма богато. Взоры туристов
покоряют величественные храмы, фрески церквей, скульптурные композиции.
В картинных галереях и музеях хранятся бесценные произведения
художников. В театрах современные мастера исполняют оперы, созданные
сотни лет тому назад.

Православное христианство берет свои начала в византийской культуре.
Вся история нашей духовности, начиная от Древней Руси и заканчивая
нынешней эпохой, неразрывно связана с искусством Рима, Византии, Италии.

Сегодняшний упадок культуры Италии есть отражение общей тенденции
снижения нравственности и торжества цинизма в мире. Технократический
путь развития человечества поставил материальные потребности и
материальные интересы людей выше духовных. При этом, создавая комфорт
своей плоти, человек губит свою душу.

Особенно очевиден регресс в странах, переживающих общий кризис
развития, к числу которых относится и Россия. И невольно встает вопрос:
какой путь развития верен: от духовности к материальному благополучию –
или наоборот? У нас о душе подумать некогда…

Список использованной литературы.

1. Арган Дж. К. История итальянского искусства. – М.: «Радуга», 1990. –
239с.

2. Гомбрих Эрнст. История искусства. – М., 1998. – 688с.

3. История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л.
Мальцевой. – М.: «Искусство», 1971. – 360с.

4. История зарубежного искусства / Под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л.
Мальцевой. – М.: «Изобр. искусство», 1983. – 488с.

5. Искусство и культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. – М.:
Наука, 1997. – 265с.

6. История искусства зарубежных стран 17-18 вв. / Под ред. В.И.
Раздольской. – М.: «Изобр. искусство», 1988. – 512с.

7. История искусства зарубежных стран: Первобытное общество, Древний
Восток, Античность / Под ред. М.В. Доброклонского и А.П. Чубовой. – М.:
«Изобр. искусство», 1979. – 384с.

8. История искусства зарубежных стран: средние века, Возрождение / Под
ред. У.Г. Нессельштрауса. – М.: «Изобраз. искусство», 1982. – 664с.

9. История искусств: Италия, Испания, Фландрия / Под ред. Е.И.
Роттенберга. – М.: «Искусство», 1988. – 280с.

10. Карл Верман. История искусства всех времен и народов. – М.: АСТ,
2001. – 944с.

11. Роттенберг Е.И. Искусство Италии. – М.: «Искусство», 1974. – 216с.

Похожие документы
Обсуждение
    Заказать реферат
    UkrReferat.com. Всі права захищені. 2000-2019