.

Гиперреализм (фотореализм) как направление в искусстве

Язык: русский
Формат: контрольна
Тип документа: Word Doc
0 884
Скачать документ

Контрольная работа по культурологи на тему:

“Гиперреализм (фотореализм) как направление в искусстве”

План

1. Понятие о гиперреализме

2. Уилл Коттон

3. Джон Де Андреа

4. Рафаэлла Спенс

5. Гай Джонсон

6. Хило Чен

7. Герхард Рихтер

Список литературы

1. Понятие о гиперреализме

Гиперреализм (англ. hyperrealism) – направление в живописи и скульптуре,
возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве
70-х годов XX в. Другое название гиперреализма – фотореализм.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на
холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и
ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на
улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие
свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра
отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения
пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто
достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали
механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров
большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило,
распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения,
исключить проявление индивидуального почерка художника.

Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в
залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных
материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и
раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от
зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.

Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие
обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в
формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу
эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая
авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на
границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что
стремился соперничать с самой жизнью.

Гиперреализм возник в США во вт. пол. 60-х гг. Творчество его адептов в
области живописи посвящено достаточно опр. тематике: усеченные рекламные
щиты, брошенные автомобили (Д. Солт), витрины с отражающейся в них
городской жизнью (Р. Эст, Р. Гоингз), конные бега (Р. МакЛиэн). Наиболее
известный из скульпторов – гиперреалистов – Д. де Эндреа, чьи
выполненные в натуральную величину работы отмечены иронич. отчуждением.
Художественный опыт гиперреализма явился предтечей постмодернизма в
живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал органической частью
постмодернистского художественного языка. Гиперреализм выступает
антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и
поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации
художественного концепта. Художественный опыт гиперреализма явился
предтечей неомодернизма в живописи и скульптуре. Ряд его приемов стал
органической частью постмодернистского художественного языка. Так,
«навязчивый реализм» (М. Леонард, Б. Джонсон, С. Холи) сочетает
традиционную натуралистическую технику с современными кино-, фото-,
видеоприемами воздействия на зрителя, эффектами виртуальной реальности:
гипнотически жизнеподобные детали в сочетании с нулевым градусом
интерпретации создают атмосферу солипсистской замкнутости личности на
фоне самодостаточной вещности мира.

Почти тридцать лет спустя, после появления этого направления в живописи
и скульптуре, термин «гиперреализм» стали использовать для определения
творчества новой группы художников. Современный гиперреализм
основывается на эстетических принципах фотореализма, но в отличие от
последнего, не стремится буквально копировать повседневную реальность.
Объекты и сцены в гиперреалистичной живописи детализированы, чтобы
создать яркую иллюзию реальности. Художники, работающие в жанре и
стилистике гиперреализма: Бернардо Торренс, Мэл Рамос, Скотт Прайор,
Уилл Коттон, Жак Боден, Педро Кампус, Чак Клоуз, Жиль Эно, Рон Мьюек,
Роберто Бернарди, Чиара Албертони, Рафаэлла Спенс и др.

Наиболее известный из скульпторов-гиперреалистов – Джон де Андреа, чьи
выполненные в натуральную величину скульптуры исполнены с
эротико-иронической холодностью. С ними согласуется физиологизм
персонажей-прототипов скульптур Дуэйна Хэнсона, а также
гиперреалистическая сексуальная символика мощных фигур атлетического
реализма Роберта Грэхема.

2. Уилл Коттон

Уилл Коттон (Will Cotton) – американский живописец. Работает в жанре
гиперреализма. Родился в 1965 году в городе Мелроуз, штат Массачусетс,
США. Художественное образование получил в Школе изящных искусств в
Руане, Франция. В 1987 получил степень бакалавра изобразительных
искусств после обучения в Купер Юнион в Нью-йорке. В 1988 Коттон в
течение года обучался в Нью-йоркской Академии искусства. Творчество
Уилла Коттона достаточно своеобразно. Используемые предметы в его
работах – торты, кремы и обнаженные женщины, часто в комбинации. Пейзажи
– зимние ландшафты с пышными домами, изготовленными из вафель, безе и
крема.

В своей студии Коттон держит мощную профессиональную духовку и сам
непосредственно готовит сладкие модели для своих картин. Картины Уилла
Коттона принимают регулярное участие в групповых выставках современных
художников в Соединенных Штатах и странах Европы. Уилл Коттон живет и
работает в Нью-Йорке.

3. Джон Де Андреа

Джон де Андреа, или Эндреа (John De Andrea) – известный американский
скульптор, яркий представитель гиперреализма в искусстве. Родился 24
ноября 1941 в Денвере, штат Колорадо, США. Образование получил в
университете Колорадо в 1965 (степень бакалавра изобразительных
искусств). Продолжил обучение в 1968 году в университете Нью-Мексико в
Альбукерке. Джон де Андреа, пожалуй, самый знаменитый и наиболее
известный из скульпторов-гиперреалистов. Его выполненные в натуральную
величину работы отмечены ироническим отчуждением. Манекеноподобные
обнаженные фигуры («Умирающий галл», «Влюбленные», «Сидящая янтарная
блондинка»), воспроизводящие роденовские позы – своего рода китчевые
антигерои, пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их
цветущая плоть контрастирует с внутренней пустотой моделей, состоящих в
антипигмалионовских отношениях со своим создателем («Автопортрет со
скульптурой»). Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но
и модными атрибутами современный деловых интерьеров, натуралистически
детализированные «ню» рассчитаны на эстетический шок. Работы Джона де
Андреа находятся во многих музеях и частных собраниях Европы и США.

4. Рафаэлла Спенс

Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) – английский художник. Работает в
жанре фотореализма (гиперреализма). Родилась в 1978 в Лондоне. В конце
1970-х ее семья переехала во Францию, где Рафаэлла Спенс провела первые
восемь лет своей жизни. Когда семья возвратилась в Лондон, она начала
обучение в художественной школе. Ее первые живописные работы были
академическими натюрмортами.

В двенадцать лет ее семья обосновалась в Италии, где она продолжила
обучение в английской школе в св. Георгия в Риме. Впечатленная видами
умбрийской сельской местности, Рафаэлла Спенс обратилась к созданию
фотореалистических пейзажей.

В 2000 состоялась ее первая персональная выставка в Италии, получившая
общественное признание и признание критиков. В 2003 состоялась ее первая
персональная выставка в Соединенных Штатах в галерее Бернардуччи и
Мейзеля в Нью-Йорке. В 2004 выставка в Лондоне в галерее Элбимерл. С тех
пор ее картины постоянно участвуют в многочисленных групповых выставках
работ художников-гиперреалистов в Европе и США. Рафаэлла Спенс получила
признание искусствоведов и критиков художественной прессы. О ее
творчестве можно найти одобрительные статьи в известных газетах и
журналах, в том числе: The International Herald Tribune, The Spectator,
Arte di Giorgio Mondadori, Panorama, La Repubblica, Corriere Della Sera
and Messaggero. Картины Рафаэллы Спенс находятся во многих частных,
общественных и корпоративных собраниях в Соединенных Штатах Америки,
Канаде, Англии, России, Италии, Австрии и Германии. Рафаэлла Спенс живет
и работает в Италии.

5. Гай Джонсон

Гай Джонсон (Guy Johnson) – американский художник. Один из столпов и
основателей фотореализма, яркий представитель поп-арта и гиперреализма.
Родился в 1927 году в Форт-Уэйне, штат Индиана. В 18 лет он завербовался
в армию и прослужил в американском флоте 15 месяцев. По окончании службы
Гай Джонсон решил стать преподавателем живописи. После пяти лет обучения
в Школе искусств в Сарагосе во Флориде, он в 1950 получил степень
бакалавра изобразительных искусств. Дальнейшее образование и степень
магистра получил в университете штата Флорида в 1952 году. Он преподавал
до 1967, пока не решил посвятить свою жизнь исключительно живописному
творчеству. В конце 60-х его заинтересовал новый стиль живописи –
фотореализм.

В 1971 он представил свою первую персональную выставку в Сотнеакровой
галерее в Нью-Йорке. С тех пор картины Гая Джонсона принимают участие во
многих выставках художников-гиперреалистов по всему миру. Тогда же он
встретил Бо Элверида, шведского торговца произведениями искусства,
который сделал ему предложение на покупку всех его картин в течение пяти
лет. По окончании контракта в 1976, Гай Джонсон стал работать с Луи
Мейзелем, галерея которого проводит выставки работ Джонсона с 1979 по
настоящее время.

6. Хило Чен

Хи Ло Чен, или Хило Чен (Hilo Chen) – современный американский художник.
Работает в жанре гиперреализма. Чен (наст. Юи Люм) родился в 1942 на
Тайване и уже позже в 1970-х годах получил американское гражданство.
Образование и степень бакалавра получил в архитектурном колледже Чанг Ян
на Тайване. В 1968 совершил поездку в Париж. Хило Чен пишет картины в
стиле ню и флористику: цветы и цветочные натюрморты. Профессиональное
мастерство Чена, как художника-гиперреалиста, отмечается критиками не
иначе, как в превосходной степени. Тона кожи обнаженных моделей в его
картинах кажутся более реальными, чем в жизни.

Рассматривая его картины, возникает ощущение, что можно дотронуться до
этих женщин, которые, в свою очередь в большинстве своем, не обращают
никакого внимания на зрителя. Картины Чена находятся во многих
собраниях: в музее Соломона Гугенхейма, Нью-Йорк; музее искусств
Сан-Хосе, Калифорния; музее искусств Тайбэя, Tайвань; центре искусств
Веро Бич, Флорида; тайванском музее искусств, Тайчунг, Tайвань;
ньюпортском художественном музее, Ньюпорт, Род-Айленд. Персональные
выставки работ Чена проводятся с 1974 и по настоящее время во многих
художественных центрах и галереях, в частности: галерее Луиса Мейзеля,
Нью-Йорк; галерее Эсперанса, Монреаль, Канада; галерее Томасало,
Крэнфорд, Нью-джерси; галерее Делайв, Амстердам, Голландия; галереях
Аполло, Нан, Модерн Арт в Тайбее, Тайвань; галерее Бернардуччи, Нью-Йорк
и др.

7. Герхард Рихтер

Герхард Рихтер (Gerhard Richter) – немецкий художник, один из самых
известных мастеров современной живописи. Родился 9 декабря 1932 в
Дрездене в Германии. С 1948 по 1951 год обучался в художественной щколе
в Циттау, затем в 1952–1956 годах в высшей школе изобразительного
искусства в Дрездене. В 1957 женился на Марианне Ауфингер, а в 1961 году
эмигрировал в Западную Германию, где продолжил учебу в академии
художеств в Дюссельдорфе (1961–1963). Перебравшись в Западную Германию,
Герхард Рихтер начал работать с Зигмаром Польке и Конрадом Фишер-Лойгом,
манипулируя в духе поп-арта с рекламными объявлениями и дорожными
знаками. Следующие пятнадцать лет Рихтер работал на стыке живописи и
фотографии. Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 году в
пустом павильоне в Дюссельдорфе, но уже в 1967 году его творчество было
отмечено премией «Молодое дарование Запада». В 1970-х годах Рихтер
написал серию картин в духе минимализма, озаглавленных «Серое», которые
представляли собой плоские и монохромные поверхности. В 1972 году Рихтер
представлял искусство Германии на Венецианской биеннале. Только одному
художнику биеннале – Герхарду Рихтеру – был отдан целый павильон. Первая
персональная выставка его работ в Соединенных Штатах прошла в 1973 году.

В конце 70-х и начале 80-х годов Рихтер продолжал писать абстрактные
полотна, порой цветные, порой только серые, используя печатную
продукцию, любительскую и профессиональную фотографию. Главная и, по
сути, единственная тема всех образов и стилистических решений,
используемых Рихтером, – сама живопись. Художник исследует ее
выразительные средства, обращаясь к этой теме на всех этапах своего
творчества. В этих поисках находят отражение сомнения Рихтера
относительно существования семантических и стилистических связей в
искусстве. В творчестве Рихтера сочетаются традиции реализма с патетикой
поп-арта, с поздними феноменами неформальной живописи, с модными
течениями абстрактного экспрессионизма и фотореализма.

Эти сочетания противоположностей и породили в художнике скепсис по
отношению ко всему достоверно известному, раз и навсегда установленному
в искусстве. Рихтер понимает живопись как активное действие, поиск
реальности сегодняшнего дня. В 1981 году Герхард Рихтер стал лауреатом
премии имени Арнольда Боде, а в 1985 – премии Оскара Кокошки. С этого
момента работы художника можно встретить во всех крупнейших выставочных
залах мира. Знаком особого признания стала ретроспектива «Творчество за
сорок лет», прошедшая в 2002 году в Музее современного искусства в
Нью-Йорке. На выставке было представлено 188 экспонатов – по масштабам
этого музея беспрецедентное число работ для экспозиции ныне живущего
художника. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев
Европы. В списке самых дорогих мастеров современной живописи 2005 года,
опубликованном журналом «Кэпитал», он был первым.

Список литературы

1. Брендон Тейлор. Актуальное искусство

2. Брендон Тейлор Мировое искусство. Направления и течения от
импрессионизма до наших дней

Нашли опечатку? Выделите и нажмите CTRL+Enter

Похожие документы
Обсуждение

Оставить комментарий

avatar
  Подписаться  
Уведомление о
Заказать реферат!
UkrReferat.com. Всі права захищені. 2000-2019