23
Московкий Гуманитарный Университет
Курсовая работа на тему:
«Виды современного искусства»
Выполнил студент
группы ___
__________________
Москва
2007
Содержание:
1. Введение
2. Живопись как вид искусства
3. Вид изобразительного искусства – графика
4. Древний вид искусства – скульптура
5. Архитектура – искусство проектировать и строить
6. Основные направления и приемы современного искусства
7. Кинетическое искусство
8. Приемы современного (авангардистского) искусства
9. Заключение
Список используемой литературы
Введение
Понятие «искусство» – это художественное творчество в целом: литература,
архитектура, скульптура, живопись, графика, декоративно-прикладное
искусство, музыка, танец, театр, кино и другие разновидности
человеческой деятельности, объединяемые в качестве
художественно-образных форм отражения действительности.
В истории эстетики сущность искусства истолковывалась как подражание
(мимезис), чувственное выражение сверхчувственного и тому подобное.
Эстетика рассматривает искусство как форму общественного сознания,
специфический род духовно-практического усвоения мира, как органичное
единство созидания, познания, оценки и человеческого общения, в узком
смысле – изобразительное искусство, высокая степень умения, мастерства в
любой сфере человеческой деятельности.
Основные виды искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура,
литература, кино, театр.
Рассмотрим основные понятия некоторых видов, направлений и приемов
современного изобразительного искусства.
2. Живопись как вид искусства
Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков
эволюцию от наскальных росписей до новейших течений живописи XI в.
Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от
реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в
ходе ее развития.
В конце XIX-XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и
противоречивым. Различные реалистические и модернистские течения
завоевывают себе право на существование.
Появляется абстрактная живопись (авангардизм, абстракционизм,
андеграунд), которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное
выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и
условность цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и
ассоциативность композиционных решений.
В XX в. продолжался поиск новых красок и технических средств создания
живописных произведений, что несомненно привело к появлению новых стилей
в живописи, но масляная живопись по-прежнему остается одной из самых
любимых техник художников.
3. Вид изобразительного искусства – графика
Графика (от гр. grapho – пишу, рисую) – вид изобразительного искусства,
который связан с изображением на плоскости. Графика объединяет рисунок,
как самостоятельную область, и различные виды печатной графики: гравюру
на дереве (ксилография), гравюру на металле (офорт), литографию,
линогравюру, гравюру на картоне и др.
Рисунок относится к уникальной графике потому, что каждый рисунок
является единственным в своем роде. Произведения печатной графики могут
воспроизводиться (тиражироваться) во многих равноценных экземплярах –
эстампах. Каждый оттиск является оригиналом, а не копией произведения.
Рисунок является основой всех видов графики и других видов
изобразительного искусства. Как правило, графическое изображение
выполняется на листе бумаги. Художнику порой достаточно очень простых
средств – графитного карандаша или шариковой ручки, чтобы выполнить
графический рисунок. В других случаях он использует для создания своих
произведений сложные приспособления печатный станок, литографские камни,
резцы (штихели) для линолеума или дерева и многое другое.
Термин “графика” первоначально употреблялся применительно только к
письму и каллиграфии. Искусство шрифта с давних времен было связано с
графикой. Новое значение и понимание она получила в конце XIX – начале
XX вв., когда графика определилась как самостоятельный вид искусства.
Язык графики и главные его выразительные средства – это линия, штрих,
контур, пятно и тон. Активно участвует в создании общего впечатления от
произведения графики белый лист бумаги. Добиться выразительного рисунка
можно даже при использовании только черного цвета. Именно поэтому
графику часто называют искусством черного и белого. Однако это не
исключает применение в графике цвета.
Границы между графикой и живописью очень подвижны, например, технику
акварели, пастели, а иногда и гуаши относят то в один, то в другой вид
искусства, в зависимости от того, в какой степени используется цвет, что
преобладает в произведении – линия или пятно, каково его назначение.
Одним из отличительных признаков графики является особое отношение
изображаемого предмета к пространству. Чистый белый фон листа, не
занятый изображениями, и даже проступающий под красочным слоем фон
бумаги условно воспринимаются как пространство. Особенно наглядно это
можно увидеть в книжной графике, когда изображение, помещенное на чистую
страницу, воспринимается расположенным в пространстве интерьера, улицы,
пейзажа в соответствии с текстом, а не на снежном поле.
Художественно выразительные достоинства графики заключаются в ее
лаконизме, емкости образов, концентрации и строгом отборе графических
средств. Некоторая недосказанность, условное обозначение предмета, как
бы намек на него, составляют особую ценность графического изображения,
они рассчитаны на активную работу воображения зрителя.
В этой связи не только тщательно прорисованные графические листы, но и
беглые наброски, зарисовки с натуры, эскизы композиции имеют
самостоятельную художественную ценность.
Графике доступны разнообразные жанры (портрет, пейзаж, натюрморт,
исторический жанр и др.) и практически неограниченные возможности для
изображения и образного истолкования мира.
По назначению различаются станковая, книжная и газетно-журнальная,
прикладная графика и плакат.
Произведения станковой графики можно увидеть на выставках. Это, как
правило, рисунки, имеющие самостоятельное значение, а также печатная
графика. Графические листы легко переносимы, они могут быть
предназначены не только для выставки, но и для украшения интерьеров
жилых и общественных зданий. Специфическими видами являются в станковой
графике – лубок (народная картинка), а в газетно-журнальной – карикатура
(от итал. caricature – преувеличивать; это изображение, в котором
комический эффект создается соединением реального и фантастического).
Художественное оформление газет и журналов строится на основе связи с
текстом, так же как и в книжной графике, и выдерживается в едином стиле
в рамках одного типа издания.
Важнейшей областью является книжная графика. В древних рукописных книгах
рисунки выполнялись и раскрашивались вручную. Они назывались
миниатюрами. Книжная графика не просто часть издательского дела или
средство для передачи знаний, она является частью культуры.
Все элементы книжного оформления – и расположенные внутри книги, и
внешние – создают целостное произведение искусства. Художник определяет
размеры (формат) книги, особенности шрифта, размещение набора (текста),
разнообразного иллюстративного материала. Но особенно велика роль
художников иллюстраторов, когда они выполняют элементы внешнего
оформления книги суперобложку, переплет или обложку), форзац и различные
элементы оформления внутри книги (авантитул, титульный лист, шмуцтитул,
иллюстрации).
К прикладной графике относятся поздравительные открытки, красочные
календари, конверты к пластинкам, которые нарисовал художник, и многое
другое. Этикетки на различных упаковках – это тоже прикладная или
промышленная графика (промграфика), которая имеет практическое
назначение, помогает сориентироваться в большом количестве разнообразных
товаров, украшает наш быт.
В самостоятельную область графики выделяется плакат. Он, как правило,
живо откликается на происходящие важные события (олимпиады, конкурсы,
концерты, выставки и др.). Принято выделять несколько основных видов
плакатов: политические, спортивные, экологические, рекламные,
сатирические, просветительские, театрально зрелищные и др.
Современный графический дизайн включает не только шрифты, но и
разнообразные знаковые изображения, в том числе геометрические и
растительные.
Новым видом является компьютерная графика. Художники выполняют
композиции из сложно пересекающихся линий, объемных элементов, узоров,
цветовых пятен на экране дисплея, а затем печатают на принтере
полученные изображения. Способность графики быстро откликаться на
актуальные события, выражать чувства и мысли художника, развитие техники
создают условия для возникновения новых видов графики.
4. Древний вид искусства – скульптура
Скульптура – один из самых древних видов искусства. Скульптура (лат.
sculptura, от sculpo – вырезать, высекать, ваяние, пластика) – вид
изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный
трехмерный объем. Сами эти произведения (статуи, бюсты, рельефы, и тому
подобное) также называют скульптурой.
Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в
реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором
объемные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по
своему назначению станковой, монументальной, монументально-декоративной.
Отдельно выделяется скульптура малых форм. По жанрам скульптура
разделяется на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую,
историческую и другое. Скульптурными средствами могут быть воссозданы
пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптора является человек,
который может быть воплощен в разнообразных формах (голова, бюст,
статуя, скульптурная группа).
Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная,
сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает
свое произведение из твердого материала (камня, дерева и др.) путем
удаления лишней массы. Другой процесс создания объема за счет
прибавления пластической массы (пластилина, глины, воска и другое)
называется лепкой (пластикой). Скульптуры создают также свое
произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из
жидкого состояния в твердое (различных материалов, гипса, бетона,
пластмассы и тому подобное). Нерасплавленный металл для создания
скульптуры обрабатывается путем ковки, чеканки, сварки и резки.
В XX в. возникают новые возможности развития скульптуры. Так, в
абстрактной скульптуре используются нетрадиционные методы и материалы
(проволока, надувные фигуры, зеркала и др.). Художники многих
модернистских течений провозглашают обыденные предметы произведениями
скульптуры.
Цвет, издавна применяемый в скульптуре (античность, средние века,
Возрождение), активно используется для повышения художественной
выразительности станковой скульптуры и в наши дни. Обращение к
полихромии в скульптуре или отказ от нее, возвращение к естественному
цвету материала (камня, дерева, бронзы и др.) связаны с общим
направлением развития искусства в данной стране и в данную эпоху
5. Архитектура – искусство проектировать и строить
Архитектура (лат. architectura, гр. аrchi – главный и tektos – строить,
возводить) – зодчество, искусство проектировать и строить. Архитектура
может выражать в художественных образах представления человека о мире,
времени, величии, радости, торжестве, одиночестве и многих других
чувствах. Вероятно поэтому говорят, что архитектура – это застывшая
музыка.
Различают три основных вида архитектуры: объемные сооружения (культовые,
общественные, промышленные, жилые и другие здания); ландшафтная
архитектура (беседки, мостики, фонтаны и лестницы для скверов,
бульваров, парков); градостроительство – создание новых городов и
реконструкция старых. Комплексы построек и открытых пространств
составляют архитектурные ансамбли. Архитектор должен заботиться о
красоте, пользе и прочности создаваемых сооружений, иначе говоря –
эстетические, конструктивные и функциональные качества в архитектуре
взаимосвязаны.
В разные исторические периоды применялись разнообразные строительные
материалы и технологии, существенно влияющие на создание архитектурных
конструкций.
Современный уровень развития техники, использование железобетона,
стекла, пластических масс и других новых материалов позволяют создавать
необычные формы зданий в виде шара, спирали, цветка, ракушки, колоса и
тому подобное.
Основные выразительные средства, применяемые в архитектуре – пластика
объемов, масштабность, ритм, пропорциональность, а также фактура и цвет
поверхностей. Архитектурные сооружения отражают художественный стиль
эпохи, как и произведения любого другого вида искусства. Своей
художественно-образной стороной архитектура отличается от простого
строительства. Архитекторы создают для человеческой жизнедеятельности
художественно организованное пространство, которое является возможной
средой для синтеза искусств (ансамбль). Всемирно известные архитектурные
сооружения и ансамбли запоминаются как символы стран и городов (пирамиды
в Египте, Акрополь в Афинах, Колизей в Риме, Эйфелева башня в Париже,
небоскребы в Чикаго, Кремль и Красная площадь в Москве и др.).
Полихромия (от греч. polys – многочисленный и chroma – цвет) –
многоцветная раскраска или многоцветность материала в архитектуре,
скульптуре, декоративном искусстве.
Раскраска многими цветами особенно характерна для изделий народного и
декоративно прикладного искусства. Полихромный орнамент наиболее
популярен, чем монохромный (одноцветность).
Полихромия часто использовалась в архитектуре и изобразительном
искусстве Древнего Египта и античности. Различные сооружения,
скульптурные рельефы, статуи, бюсты могли быть раскрашены несколькими
яркими цветами.
В настоящее время цвет все активнее входит в скульптуру, особенно в
мелкую пластику.
6. Основные направления и приемы современного искусства
Абстрагирование – один из основных способов нашего мышления. Его
результат – образование наиболее общих понятий и суждений (абстракций).
В декоративном искусстве абстрагирование – это процесс стилизации
природных форм. В художественной деятельности абстрагирование
присутствует постоянно; в своем крайнем выражении в изобразительном
творчестве оно ведет к абстракционизму, особому направлению в
изобразительном искусстве XX в., для которого характерны отказ от
изображения реальных объектов, предельное обобщение или полный отказ от
формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен, плоскостей и
др.), эксперименты с цветом, спонтанное выражение внутреннего мира
художника, его подсознания в хаотических, неорганизованных абстрактных
формах (абстрактный экспрессионизм). К этому направлению можно отнести
живопись русского художника В. Кандинского.
Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали
логически упорядоченные конструкции, перекликаясь с поисками
рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм
русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.) В скульптуре
абстракционизм выразился меньше, чем в живописи. Абстракционизм был
откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что
провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал “уступить
инициативу формам, краскам, цвету”.
Реализм (от фр. realisme, от лат. realis – вещественный) – в искусстве
в широком смысле правдивое, объективное, всестороннее отражение
действительности специфическими средствами, присущими видам
художественного творчества.
Общими признаками метода реализма является достоверность в
воспроизведении действительности. Вместе с тем реалистическое искусство
обладает огромным разнообразием способов познания, обобщения,
художественного отражения действительности (Г.М. Коржев, М. Б. Греков,
А.А. Пластов, А. М. Герасимов, Т. Н. Яблонская, П. Д. Корин и др.)
Реалистическое искусство XX в. приобретает яркие национальные черты и
многообразие форм. Реализм – явление противоположное модернизму.
Авангардизм – (от фр. avant – передовой, garde – отряд) – понятие,
определяющее экспериментальные, модернистские начинания в искусстве. В
каждую эпоху возникали новаторские явления в изобразительном искусстве,
но термин “авангардизм” утвердился только в начале XX в. В это время
появились такие направления, как фовизм, кубизм, футуризм,
экспрессионизм, абстракционизм. Затем в 20-е и 30-е годы авангардистские
позиции занимает сюрреализм. В период 60-70-х годов добавляются новые
разновидности абстракционизма – различные формы акционизма, работа с
предметами (поп-арт), концептуальное искусство, фотореализм, кинетизм и
др. Художники-авангардисты выражают своим творчеством своеобразный
протест против традиционной культуры.
Во всех авангардистских направлениях, несмотря на их большое
разнообразие, можно выделить общие черты: отказ от норм классического
изображения, формальная новизна, деформация форм, экспрессия и различные
игровые преобразования. Все это приводит к размыванию границ между
искусством и реальностью (реди-мейд, инсталляция, энвайромент), созданию
идеала открытого произведения искусства, непосредственно вторгающегося в
окружающую среду. Искусство авангардизма рассчитано на диалог художника
и зрителя, активное взаимодействие человека с художественным
произведением, соучастие в творчестве (например, кинетическое искусство,
хэппенинг и др.). Произведения авангардистских направлений порой теряют
изобразительное начало и приравниваются к объектам окружающей
действительности. Современные направления авангардизма тесно
переплетаются, образуя новые формы синтетического искусства.
Андерграунд (англ. underground – подполье, подземелье) – понятие,
означающее “подпольную” культуру, противопоставившую себя условностям и
ограничениям традиционной культуры. Выставки художников рассматриваемого
направления часто проходили не в салонах и галереях, а прямо на земле, а
также в подземных переходах или метро, которое в ряде стран называют
андеграундом (подземкой). Вероятно, данное обстоятельство также повлияло
на то, что за данным направлением в искусстве XX в. утвердилось это
название.
В России понятие андеграунд стало обозначением сообщества художников,
представлявших неофициальное искусство.
Сюрреализм (фр. surrealisme – сверхреализм) – направление в литературе и
искусстве XX в. сложившееся в 1920-х годах. Возникнув во Франции по
инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм скоро стал международным
направлением. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из
сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза,
болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий
(случайное блуждание карандаша по бумаге и др.).
Художники-сюрреалисты в отличие от абстракционистов не отказываются от
изображения реально существующих предметов, но представляют их в хаосе,
нарочито лишенными логических взаимосвязей. Отсутствие смысла, отказ от
разумного отражения действительности – основной принцип искусства
сюрреализма. Об оторванности от реальной жизни говорит и само название
направления: “сюр” по-французски “над”; художники не претендовали на
отражение действительности, а мысленно помещали свои творения “над”
реализмом, выдавая за произведения искусства бредовые фантазии. Так, в
число сюрреалистических картин вошли аналогичные, не поддающиеся
объяснению работы М. Эрнста, Дж. Миро, И. Танги, а также предметы,
обработанные сюрреалистами до неузнаваемости (М. Оппенгейм).
Сюрреалистическое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось
на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего
в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной
передачей светотени, перспективы, что характерно для академической
живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи,
втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы
растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты
скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость,
и все это создает образ невозможный в реальности.
Известен такой факт. Однажды на выставке перед произведением С. Дали
долго стоял зритель, внимательно вглядываясь и пытаясь понять смысл.
Наконец в полном отчаянии он громко сказал: “Я не понимаю, что это
значит!” Возглас зрителя услышал находившийся на выставке С. Дали. “Как
вы можете понять, что это значит, если я сам не понимаю”, – заявил
художник, выразив таким образом основной принцип сюрреалистического
искусства: писать картины не думая, не размышляя, отказавшись от разума
и логики.
Выставки произведений сюрреалистов сопровождались, как правило,
скандалами: зрители возмущались, глядя на нелепые, непонятные картины,
считали, что их обманывают, мистифицируют. Сюрреалисты обвиняли
зрителей, заявляли, что те отстали, не доросли до творчества “передовых”
художников.
Общие особенности искусства сюрреализма фантастика абсурда, алогизм,
парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость
образов. Художники обращалиссь к имитации первобытного искусства,
творчества детей и душевнобольных.
Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность,
неотражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике
это выливалось в создание патологически отталкивающих образов, эклектику
и китч (нем. – kitsch; дешевка, безвкусная массовая продукция
расчитанная на внешний эффект).
Отдельные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях
декоративного искусства, например оптические иллюзии, позволяющие видеть
на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от
направления взгляда.
Произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации, могут
отождествляться в нашем восприятии со злом. Устрашающие видения и
идиллические грезы, буйство, отчаяние – эти чувства в различных
вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя
на зрителя, абсурдность произведений сюрреализма действует на
ассоциативное воображение и психику.
Сюрреализм представляет собой противоречивое художественное явление.
Многие действительно передовые деятели культуры, сознавая, что это
направление разрушает искусство, впоследствии отказались от
сюрреалистических взглядов (художники П. Пикассо, П. Клее и др., поэты
Ф. Лорка, П. Неруда, испанский режиссер Л. Бунюэль, снявший
сюрреалистические фильмы). К середине 1960-х годов сюрреализм сменился
новыми, еще более броскими направлениями модернизма, но причудливые,
большей частью уродливые, бессмысленные произведения сюрреалистов до сих
пор заполняют залы музеев.
Модернизм (фр. modernisme, от лат. modernus – новый, современный) –
собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и
деятельности отдельных мастеров искусства XX в., порывающих с традицией,
peaлизмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм,
экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм,
поп-арт, оп-арт, кинетическое искусство, гиперреализм и др.). Модернизм
близок по значению авангардизму и противоположен академизму. Модернизм
негативно оценивался советскими искусствоведами как кризисное явление
буржуазной культуры. Искусство обладает свободой выбора своих
исторических путей. Противоречия модернизма, как такового, необходимо
рассматривать не статично, а в исторической динамике.
Поп-арт (англ. pop art, от popular art – популярное искусство) –
направление в искусстве Западной Европы и США с конца 1950-х годов.
Расцвет поп-арта пришелся на бурные 60-е годы, когда во многих странах
Европы и Америки вспыхнули бунты молодежи. Молодежное движение не имело
единой цели – его объединял пафос отрицания. Молодые люди готовы были
выбросить за борт всю прошлую культуру. Все это нашло отражение в
искусстве.
Отличительная черта поп-арта сочетание вызова с безразличием. Все
одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково
безобразно, одинаково достойно или не достойно. Пожалуй, только
рекламный бизнес основан на таком же бесстрастно-деловитом отношении ко
всему на свете. Не случайно именно реклама оказала огромное влияние на
поп-арт, а многие его представители работали и работают в рекламных
центрах. Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на
кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и
известный шедевр искусства, зубную пасту и фугу Баха. Точно также
поступает и поп-арт.
Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному. В картину
вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как
правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р.
Раушенберг, Э. Уор Хол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать
композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комикса может
быть увеличена до размеров большого полотна (Р. Лихтенстейн). Скульптура
может сочетаться с муляжами. Например, художник К. Олденбург создавал
подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из
необычных материалов
Между скульптурой и живописью часто нет границы. Художественное
произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и
заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких
преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и
воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении.
Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его
“обозначение”, избавляющее автора от рукотворного процесса его создания,
изображения чего-либо (М. Дюшан). Этот процесс был введен с целью
расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной
деятель-ности, “выхода” искусства в область массовой культуры. Художники
поп-арта были инициаторами таких форм, как хэппенинг, предметная
инсталляция, энвайромент и других форм концептуального искусства.
Аналогичные течения: андеграунд, гиперреализм, оп-арт, реди-мейд и др.
Оп-арт (англ. ор art, сокращ. от optical art – оптическое искусство) –
направление в искусстве XX в., получившее широкое распространение в
1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные
иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных
фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм
достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных
контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций,
извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося
света, динамические конструкции (рассмотрены далее в разделе
кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной
смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы
возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает
техническую линию модернизма.
7. Кинетическое искусство
Кинетическое искусство (от гр. kinetikos – приводящий в движение) –
направление в современном искусстве, связанное с широким применением
движущихся конструкций и других элементов динамики. Кинетизм как
самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов,
однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском
конструктивизме (В. Татлин, К. Мельников, А. Родченко), дадаизме.
Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся
объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской
области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села
Богородское и др.
В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые
произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие –
колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или
электромагнитными силами. Бесконечно разнообразие используемых
материалов – от традиционных до сверхсовременных технических средств,
вплоть до компьютеров и лазеров. Часто в кинетических композициях
применяют зеркала.
Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением –
здесь кинетизм смыкается с оп-артом. Приемы кинетизма широко
используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении
площадей, парков, общественных интерьеров.
Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве
может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом
и др.
8. Приемы современного (авангардистского) искусства
Гиперреализм (англ. hyperrealism) – направление в живописи и скульптуре,
возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве
70-х годов XX в. Другое название гиперреализма – фотореализм.
Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на
холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и
ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на
улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие
свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра
отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения
пространств.
Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а
сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические
способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого
полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли
аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить
проявление индивидуального почерка художника.
Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в
залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных
материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и
раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от
зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей.
Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие
обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в
формах “технических искусств”, широко распространившихся именно в нашу
эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая
авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на
границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что
стремился соперничать с самой жизнью.
Реди-мейд (англ. ready made – готовый) – один из распространенных
приемов современного (авангардистского) искусства, состоящий в том, что
предмет промышленного производства вырывается из привычной бытовой
обстановки и экспонируется в выставочном зале.
Смысл реди-мейда заключается в следующем: при смене окружения изменяется
и восприятие объекта. Зритель видит в предмете, выставленном на подиуме,
не утилитарную вещь, а художественный объект, выразительность формы и
цвета. Название реди-мейд впервые в 1913 – 1917 годы применил М. Дюшан
по отношению к своим “готовым объектам” (расческе, велосипедному колесу,
сушилке для бутылок). В 60-х годах реди-мейд получил широкое
распространение в различных направлениях авангардистского искусства,
особенно в дадаизме.
Инсталляция (от англ. installation – установка) – пространственная
композиция, созданная художником из различных элементов – бытовых
предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов,
текстовой или визуальной информации. Основоположниками инсталляции были
дадаист М. Дюшан и сюрреалисты. Создавая необычные сочетания обычных
вещей, художник придает им новый символический смысл. Эстетическое
содержание инсталляции в игре смысловых значений, которые изменяются в
зависимости от того, где находится предмет – в привычном бытовом
окружении или в выставочном зале. Инсталляцию создавали многие художники
авангарда Р. Раушенберг, Д. Дайн, Г. Юккер, И. Кабаков.
Инсталляция – форма искусства, широко распространенная в XX в.
Энвайронмент (англ. environment – окружение, среда) – обширная
пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального
окружения, одна из форм, характерная для авангардистского искусства
60-70-х годов. Энвайронмент натуралистического типа, имитирующий
интерьер с фигурами людей, создавали скульптуры Д. Сегал, Э. Кинхольц,
К. Олденбург, Д. Хэнсон. Подобные повторения реальности могли включать
элементы бредовой фантастики. Другой тип энвайронмента представляет
собой игровое пространство, предполагающее определенные действия
зрителей.
Хэппенинг (англ. happening – случающееся, происходящее) – разновидность
акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве
60-70-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее
спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия
обязательно вовлекают в него и зрителей. Хэппенинг возник в конце 50-х
годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга чаще всего
непосредственно в городской среде или на природе занимаются художники.
Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором
окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники
акции.
Действие хэппенинга провоцирует свободу каждого участника и манипуляцию
предметами. Все действия развиваются по предварительно намеченной
программе, в которой, однако, большое значение отводится импровизации,
дающей выход различным бессознательным побуждениям. Хеппенинг может
включать элементы юмора и фольклора. В хэппенинге ярко выразилось
стремление авангардизма к слиянию искусства с течением самой жизни.
9. Заключение
Искусство всегда созвучно своему времени, оно современно и отражает
мировоззрение общества в целом. В свою очередь, искусство оказывает
сильное влияние на массы, поэтому так важно, отношение самого художника
к жизни. Развитие многообразных искаженных направлений в искусстве, так
называемого псевдоискусства, созвучно своей эпохе.
Вся история искусств и архитектуры представляет собой живую ткань,
постоянно развивающуюся и изменяющуюся. В любую из эпох, будь то
классическое искусство Греции, итальянский Ренессанс или древнерусское
искусство, происходила борьба тенденций, влияний, борьба старых
представлений с возникающими качественно новыми проявлениями.
Однако при всей изменчивости форм искусства в пределах того или иного
периода всегда имелись относительно устойчивые художественные признаки –
композиционные, пластические, колористические, ритмические и другие,
определяющие стиль того или иного времени.
Лучшие представители культуры: художники, графики, скульпторы,
архитекторы, кинематографисты, актеры, писатели вчера и сегодня
стремятся в своем творчестве отражать лучшие мысли и чувства
человечества, бережно относиться к шедеврам мировой культуры.
Список используемой литературы:
1. Бартенев И.А., Батажкова В.Н. Очерки истории архитектурных стилей. –
М.: «Изобразительное искусство», 1983
2. Прохоров А.М., Гиляров М.С. и др. Советский энциклопедический
словарь. – М.: «Советская энциклопедия», 1991
3. Шитов Л.А., Алехин А.Д., Антонова И.А., Коржев Г.М., Мыльников А.А. и
другие. Юный художник. – М.: «Молодая гвардия», 1999
4. Мир искусства. – М.: «Молодая гвардия», 2006
Нашли опечатку? Выделите и нажмите CTRL+Enter
